Louis-Jacques-Mandé Daguerre

N. 18 nov 1787, Cormeilles-en-Parisis, France 
F. 10 jul 1851, Paris

Celebra-se hoje o 231º anversário do nascimento de Louis-Jaques Daguerre, um dos percursores da fotografia. Inventor do processo que ficou conhecido com o seu nome, o Daguerrótipo, o qual, vinte anos depois de ter sido apresentado ao Mundo (1839) , era já o processo fotográfico mais comum no Mundo Inteiro. 

Como fotógrafo que sou, nao poderia deixar de assinalar a data. 

1. Biografia


Vi Whitmire redigiu a seguinte biografia de Daguerre, para o International Photography Hall of Fame Museum:

Louis Jacques Mande-Daguerre encetou a busca pela tecnologia para gravar uma imagem. A invenção do daguerreótipo trouxe a possibilidade de preservar um período, a memória de um lugar ou os rostos de uma família.

Louis Jacques Mande-Daguerre, artista e inventor, nasceu em 18 de novembro de 1789 em Cormeilles-en-France. Enquanto jovem, tornou-se evidente que a força de Daguerre estava no campo da arte. Aos dezesseis anos, tornou-se aprendiz do pintor de sucesso Degotti. Daguerre tornou-se um pintor aceitável, pintando cenários para peças teatrais e óperas.

Em 1822, Daguerre, juntamente com Charles Bourton, também pintor, criou uma cena teatral que chamou de “diorama”. Várias camadas de tecido foram pintadas e depois colocadas em camadas com objetos reais e iluminadas para se aproximarem da hora do dia. O diorama era muito popular em Paris; Dioramas foram criados para vários países da Europa e América. Daguerre estava familiarizado com a câmara escura como ajuda da pintura e melhorou as lentes para o seu uso durante a produção do diorama.


Esta é “Boulevard du Temple“, a primeira fotografia alguma vez feita de um ser humano. Trata-se de um daguerrótipo, e foi feito pelo próprio  Louis Daguerre nos finais de 1833 ou início de 1834. è uma cena de uma cidade muito movimentada, mas, consequência da necessidade de um tempo de exposição bastante grande, todo o tráfego de pessoas acontecia demasiado rápido para que estas pudessem aparecer na imagem. A excepção é o homem que aparece no canto inferior esquero e que, porque estava a engraxar as suas botas, esteve quieto o tempo sufixciente para aparecer na imagem. 

Nicephore Niepce e Daguerre conheceram-se tornaram-se sócios em 1829; Niepce precisava da câmera obscura de Daguerre e Daguerre estava interessado no processo heliográfico que Niepce havia desenvolvido. Daguerre era um artista, não um químico, mas foi ajudado por um importante químico francês, J. Dumas, que contribuiu com fundos, um laboratório e conselhos. Infelizmente Niepce morreu em 1833 deixando a sua parte da parceria para seu filho Isidore.

Dois anos depois, Daguerre produziu o primeiro daguerreótipo. Sendo colocado sobre um recipiente de partículas de iodo, formando assim um iodeto de prata na superfície, sensibilizou uma folha de cobre revestida de prata. A placa foi então exposta numa câmara; o iodeto de prata foi reduzido a prata em proporção à densidade. A placa exposta foi então colocada sobre um recipiente de mercúrio quente; os vapores formavam um amálgama com a prata produzindo uma imagem. A placa foi lavada com uma solução salina para evitar mais exposição. Daguerre permitiu que a sua placa de prata iodada permanecesse na sua parceria, mas seria chamada de “daguerreótipo”, uma vez que foi uma invenção sua. O primeiro daguerreótipo de sucesso, uma natureza morta, foi produzido em 1837. A primeira imagem humana foi registrada num daguerreótipo em 1839.

No mesmo ano, o governo francês aceitou o processo de daguerreótipo como uma aquisição a ser compartilhada com o público. Daguerre recebeu uma pensão vitalícia de 6000 francos por ano. Isidore Niepce recebeu também uma pensão vitalícia de 4000 francos.

Samuel F. B. Morse reuniu-se com Daguerre para compartilhar o seu telégrafo e ver o daguerreótipo. Morse ficou tão impressionado que levou o processo para a América, onde foi aceite com grande entusiasmo.

Daguerre continuou a produzir a câmara que tinha concebido com a ajuda do seu cunhado, as lentes de Alphonse Giroux e Chevaliers.

2. Bio de Daguerre, segundo Malcolm Daniel:

Malcolm Daniel, do Departamento de Fotografia do The Metropolitan Museum of Art redigiu dois ensaios acerca da obra e legado de Daguerre, que também transcrevo para ajudar à percepção do seu legado:

Em 7 de janeiro de 1839, membros da Académie des Sciences da França mostraram produtos de uma invenção que mudaria para sempre a natureza da representação visual: a fotografia. As imagens incrivelmente precisas que viram foram o trabalho de Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787-1851), pintor e impressor romântico mais famoso até então como o proprietário do Diorama, um espetáculo parisiense popular com pintura teatral e efeitos de iluminação. Cada daguerreótipo (como Daguerre apelidou de sua invenção) era uma imagem única numa folha de cobre banhada a prata altamente polida.

A invenção de Daguerre não nasceu plenamente, embora em 1839 possa ter parecido assim. Na verdade, Daguerre procurava desde meados da década de 1820 um meio de capturar as imagens fugazes que via na sua camera obscura, uma ajuda para o desenho, consistindo por uma caixa de madeira com uma lente numa das extremidades que projectava uma imagem numa folha fosca, na outra extremidade. Em 1829, ele havia formado uma parceria com Nicéphore Niépce, que vinha trabalhando no mesmo problema – como fazer uma imagem permanente usando luz e química – e que havia alcançado resultados primitivos, mas reais, já em 1826. Quando Niépce morreu em 1833, os parceiros ainda não eram capazes de apresentar um processo prático e confiável.

Foi somente em 1838 que as experiências continuadas de Daguerre progrediram ao ponto de se sentir à vontade, mostrando exemplos do novo meio para artistas e cientistas selecionados na esperança de alinhar investidores. François Arago, notável astrónomo e membro da legislatura francesa, estava entre os admiradores mais entusiastas da arte. Ele tornou-se o campeão de Daguerre tanto na Académie des Sciences quanto na Chambre des Députés, garantindo ao inventor uma pensão vitalícia em troca dos direitos do seu processo. Somente em 19 de agosto de 1839, o processo revolucionário foi explicado, passo a passo, antes de uma sessão conjunta da Académie des Sciences e da Académie des Beaux-Arts, com uma multidão ansiosa de espectadores transbordando para o pátio externo.

O processo revelado naquele dia parecia mágico. Cada daguerreótipo é uma imagem fotográfica extraordinariamente detalhada e única numa folha de cobre banhada a prata altamente polida, sensibilizada com vapores de iodo, exposta numa câmara grande, desenvolvida em fumos de mercúrio e estabilizada (ou fixada ) com água salgada ou “hypo” (tiossulfato de sódio). Embora Daguerre fosse obrigado a revelar, demonstrar e publicar instruções detalhadas para o processo, ele sabiamente reteve a patente do equipamento necessário para praticar a nova arte.

Desde o momento do seu nascimento, a fotografia tinha um caráter dual – como meio de expressão artística e como uma poderosa ferramenta científica – e Daguerre promoveu sua invenção em ambas as frentes. Vários dos seus primeiros pratos eram composições de natureza morta de moldes de gesso após escultura antiga – um assunto ideal, já que os elencos brancos refletiam bem a luz, ficavam imóveis durante longas exposições e emprestavam, por associação, a aura de “arte” a quadros feitos por meios mecânicos. Mas Daguerre também fotografou um arranjo de conchas e fósseis com a mesma finelidade, e usou o meio para outros propósitos científicos também. O jornalista Hippolyte Gaucheraud, numa reportagem que apareceu no dia anterior à primeira exibição dos daguerreótipos à Académie des Sciences, de pois de lhe ter sido mostrada a imagem de uma aranha morta fotografada através de um microscópio solar questionou o inventor:: “Você poderia estudar sua anatomia com ou sem um lupa, como na natureza; [não há] um filamento, nem um duto, por mais tênue que seja, que você não possa seguir e examinar. ”Até mesmo Arago, diretor do Observatório de Paris, teria sido surpreendido por um daguerrótipo da lua.

Nem os daguerreótipos microscópicos nem os daguerreótipos de Daguerre sobreviveram. Em 8 de março de 1839, o Diorama – e com ele o laboratório de Daguerre – foi totalmente destruído, destruindo os registros escritos do inventor e a maior parte dos seus primeiros trabalhos experimentais. Na verdade, menos de vinte e cinco fotografias seguramente atribuídas a Daguerre sobrevivem – apenas um punhado de naturezas-mortas, vistas parisienses e retratos da aurora da fotografia.

3. A Era Daguerreana em França – 1839-55:

O mesmo Malcolm Daniel redigiu ainda este ensaio, acerca do legado de Daguerre:

O governo francês colocou o processo de Daguerre no domínio público e, passados alguns meses, este espalhou-se pelo mundo como um incêndio. Tão intensa era a mania de que, em dezembro de 1839, um caricaturista parisiense, Théodore Maurisset, iria satirizar um mundo invadido por daguerreotipistas e público clamoroso – uma imagem que não estava longe da verdade. Milhões de pessoas que nunca sonharam em encomendar um retrato pintado para que seus rostos fossem gravados para amigos ou familiares e para a posteridade.

“Daguerreotypomania”, de Théodore Maurisset, uma sátira à moda do daguerrótipo

De facto, quando Daguerre demonstrou pela primeira vez o seu processo, os tempos de exposição foram tão longos que até ele confessou que ainda não era prático efectuar retratos. Em alguns meses, no entanto, outros tinham mexido na química e nos procedimentos para reduzir os tempos de exposição de minutos para segundos. Dispositivos também foram inventados para ajudar os assistentes a permanecerem imóveis, embora muitas vezes com uma postura rígida e expressão de dor. Em última análise, o retrato representava a grande maioria dos daguerreótipos, preenchendo um desejo profundo de capturar e preservar o rosto de um marido ou esposa amado, um filho soldado em guerra, um bebê no seu leito de morte ou até mesmo um cão de família favorito. A julgar pelo registo económico – mais de cinco toneladas e meia de prata foram usadas por fabricantes de chapas parisienses num ano – milhões de daguerreótipos foram produzidos, e a maioria deles eram retratos.

Nas grandes cidades, os daguerreotipistas habilidosos montavam estúdios de retrato luxuosos, onde até mesmo a classe média podia se sentir como senhoras e senhores quando se apresentavam em frente à câmara e à posteridade. Embora um operador sensível e uma ama animada ocasionalmente produzissem resultados brilhantes, a maioria dos retratos acabava por se parecer bastante com o resto – de postura estética e sem inspiração. Não era de admirar, dada a enorme quantidade de daguerreótipos a ser produzidos. Mas isso fez pouca diferença para a maioria dos clientes, pois a precisão era mais importante para eles do que a arte. As pequenas cidades provinciais eram servidas por fotógrafos itinerantes – muitas vezes mais comerciantes do que artistas – que ficavam por alguns dias para fotografar qualquer parte interessada capaz de arcar com o custo modesto. Havia também senhores amadores, geralmente homens de lazer e aprendizes, que se equipavam com o equipamento necessário para fotografar as suas famílias e amigos, deixando para trás um conjunto de fotos mais individual e intimista do que muitos de seus colegas profissionais.

No presente, existem imensos artistas a decorrer ao processo inventado por Daguerre. Na imagem em cima, 
Francisco Moreira da Costa, Nu e folha de taioba, 2015 (daguerreótipo, placa de cobre banhada em prata, 9 x 12 cm) / Cortesia: FASS Galeria

Embora o retratismo fosse de longe o assunto mais comum dos daguerreótipos, artistas e cientistas, exploradores e arqueólogos pegaram nas câmaras e produziram imagens diferentes de todas as que haviam sido feitas antes. Os pintores, claro, estavam entre os primeiros a entender que a invenção de Daguerre mudaria o curso da arte. Alguns resistiram ao novo meio, outros exploraram-no como uma ajuda para a pintura, e outros ainda adoptaram-no como um novo meio de expressão. Os cientistas imediatamente reconheceram o potencial desse novo meio. Aproveitaram a câmera para telescópios e microscópios, procurando explorar a capacidade do daguerreótipo de gravar com uma exatidão incomparável, o que quer que viesse antes da lente.

Igualmente surpreendente para os espectadores do século XIX e fascinantes para o público moderno são as imagens de terras distantes que os daguerreotipistas trouxeram de volta a Paris. Hippolyte Gaucheraud, escrevendo no dia anterior às fotografias de Daguerre, deveria ser revelado à Académie, anotado com presciência: “Viajantes, em breve você poderá, talvez, ao custo de algumas centenas de francos, adquirir o aparelho inventado por M. Daguerre, E você será capaz de trazer de volta à França os mais belos monumentos, as mais belas cenas de todo o mundo. Verá quão longe da verdade do Daguerreótipo estão seus lápis e pincéis. ”A sua previsão estava correta. No final do ano, os viajantes partiram para as províncias francesas e territórios estrangeiros armados com equipamentos pesados ​​e um suprimento de placas, lutando para ajustar as instruções de Daguerre para acomodar a intensidade do sol do Mediterrâneo, o calor extremo do deserto egípcio, ou o disposições não fiáveis ​​de um porto estrangeiro. As chapas que trouxeram incluem alguns dos nossos mais apreciados primeiros vislumbres de regiões longínquas do globo.

No início dos anos 1850, a fotografia no papel começou a suplantar o daguerreótipo. Embora as fotografias em papel não tivessem a clareza miraculosa do daguerreótipo, elas tinham inúmeras vantagens: várias impressões poderiam ser feitas a partir de um único negativo; imagens maiores podem ser produzidas mais facilmente; e fotografias em papel poderiam ser coladas em álbuns ou usadas para ilustrar livros. O gosto pelos daguerreótipos durou um pouco mais nos Estados Unidos, mas na França o auge do médium tinha passado em meados da década de 1850, e os daguerreótipos desapareceram em 1860. No entanto, muitos milhões foram produzidos em pouco mais de uma década.

Em baixo deixo aos leitores um vídeo de Jarry Spagnoli, onde este demonstra como se produz um dageuerrótipo:

Rui Campos

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13/11 – Wasmo X. Wasmo

Waswo X. Waswo nasceu em Milwaukee, Wisconsin, nos EUA, faz hoje, 13 de Novembro, 65 anos.

Estudou na Universidade de Wisconsin-Milwaukee, no Centro de Fotografia de Milwaukee e no Studio Marangoni, no Centro de Fotografia Contemporânea de Florença, Itália.

O seu livro, India Poems: The Photographs, publicado pela Gallerie Publishers em 2006, está disponível em todo o mundo. O artista vive e viaja na índia há mais de dez anos e já morou em Udaipur, Rajasthan, nos últimos cinco anos, onde colabora com uma variedade de artistas locais, incluindo o foto-colorista Rajesh Soni. Também produziu uma série de pinturas autobiográficas em miniatura em colaboração com o artista R. Vijay.

Waswo é representado na Índia pela Gallerie Espace, Nova Delhi, e pela Serindia Gallery, em Bangkok, na Tailândia.

O Hindustan Times refere-se a ele, num artigo publicado em 25 de Abril passado, da seguinte forma:

Um vendedor de penas caminha com uma bicicleta carregada de penas de pavão. Um homem de turbante com ghungroos nos pés posa com uma arma. Um menino recria a postura icónica de Hanuman carregando a montanha Sanjeevani.

Estas são algumas das imagens da Photowallah, a mais recente exposição do artista americano Waswo X Waswo (63), de Udaipur. As imagens de Waswo são feitas através de um processo elaborado onde ele faz com que pessoas comuns posem para ele.

É como teatro, uma performance cooperativa. Nós denominamos as pessoas que posam para nós como modelos”, diz ele.

Os papéis que desempenham são baseados em pessoas que ele conhece na aldeia de Varda, nos arredores de Udaipur, onde tem o seu estúdio. Os cenários pintados retratam a folhagem e as montanhas e inspiram-se no cenário exagerado dos antigos estúdios fotográficos.

Waswo fotografa imagens digitais em monocromático, que são depois pintadas à mão pelo artista local Rajesh Soni (34) usando aquarelas.

Enquanto Waswo sempre foi um “purista do preto e branco”, ele afirma que o seu encontro com Soni o fez mudar de opinião. Por acaso, o avô e o pai de Soni costumavam pintar à mão fotografia para a família real de Udaipur.

“De certa forma, estamos a dar uma nova vida a uma arte antiga”, diz Soni.

A exposição apresenta três proeminentes séries de trabalhos de Waswo – Gauri Dancers, A Studio in Rajasthan e New Myths. Gauri Dancers apresenta imagens de artistas masculinos de Mewar (pertencentes à tribo Bhil) que vão de aldeia em aldeia interpretando contos de épicos.
Studio in Rajasthan apresenta cenas encenadas filmadas no estúdio Varda; enquanto New Myths apresenta pessoas vestidas como divindades.

Atrás das Cenas:

Waswo (que escolhe não explicar seu nome exclusivo) costumava ser fotógrafo em Milwaukee, nos EUA. Curioso acerca da Índia, visitou Delhi e Udaipur em 1993.

“Eu não sabia nada sobre Delhi. era ingénuo, eu nem tinha lido My Lonely Planet” afirma.

Em Delhi, foi abordado por um motorista de requixó, que o levou a um agente de viagens.

“O agente vendeu-me um pacote de viagem de 10 dias para Udaipur. Eu amei a cidade. Tem um lugar especial no meu coração ”, acrescenta.

Consequentemente, fez várias viagens à Índia antes de se estabelecer em 2003. Hoje vagueia entre o seu apartamento em Banguecoque, seu estúdio em Varda e a sua casa em Udaipur.

As pessoas chamam-me artista americano, mas eu considero-me um artista indiano”.

Presente Perfeito:

Enquanto os críticos acusam Waswo de propagação de estereótipos sobre a Índia, ele permanece imperturbável.

“Estas são fotos contemporâneas. Eu não vivo no passado; Euvivo no presente, em Udaipur, que é um lugar diferente. Esta é a vida real ”

Ele também esclarece que as obras não são representações etnográficas de uma comunidade, mas sim uma fantasia encenada.

Eu olho fotos antigas e as pessoas parecem tristes, como espécimes. Eu tento ter alguma vida em minhas fotos, algum personagem e personalidade”.

O trabalho de Waswo pode estar focado na Índia, mas ajudou-o a ganhar reconhecimento em todo o mundo. As suas fotografias foram exibidas em Amsterdão e Paris, entre outras cidades.

“A Índia tem sido boa para mim. Depois que vim para cá, tornei-me conhecido nacional e internacionalmente ”

Deixo a seguir o Documentário “A Studio in Rajasthan”, um documentário acerca da sua obra, para quem quiser conhecer melhor a obra deste fotógrafo-artista.. 

Rui Campos

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“The World’s Most Photographed”

Este é no meu entender um dos mais relevantes trabalhos acerca de fotografia que foi feito nos últimos anos. A BBC tem-nos vindo a habituar com séries de grande qualidade e que versam acerca da fotografia. Desta vez, em associação com a National Portrait Gallery, produziu uma série de dez episódios acerca de famosos e das suas relações com a fotografia, os fotógrafos e da sua consciência de como esta disciplina pôde exercer um papel fundamental na manipulação da opinião das massas.
Deixo-vos a seguir uma pequena contextualização acerca deste documentário que extraí da página da National Portrai Gallery. Este documentário tem também uma exposição a decorrer em simultâneo com essas mesmas imagens e um catálogo. 

A exposição mais The World’s Mos Photographed acompanha uma importante série de dez episódios da BBC TWO. Teve início na quarta-feira, 6 de julho, às 19h30, e decorrerá no mesmo horário de cada quarta-feira subsequente.

Pela primeira vez, a National Portrait Gallery e a BBC apresentam uma exposição e uma série que foram desenvolvidas em conjunto pelas duas organizações. É um projeto integrado que consiste numa exposição de cerca de 100 fotografias e uma série da BBC Two que explora as vidas e lendas de dez figuras bem conhecidas da história – Muhammad Ali, James Dean, Mahatma Gandhi, Greta Garbo e Audrey Hepburn. , Adolf Hitler, John F. Kennedy, Marilyn Monroe, Elvis Presley e Rainha Victoria. Desenterrando fotografias que anteriormente foram perdidas, suprimidas e escondidas, juntamente com imagens mais familiares, a exposição e série exploram a natureza da celebridade e iconografia, indo além da imagem pública, muitas vezes cuidadosamente construída, para revelar muito mais sobre as suas personalidades e respectivas vidas.

Publicação tem o preço especial de £ 20 (o preço publicado era de £ 25) Com mais de 180 fotografias impressionantes de Elvis Presley e Greta Garbo para James Dean e Muhammad Ali – este livro fascinante é um companheiro em profundidade para a exposição popular da Galeria e a atual BBC TWO. O texto acessível de Robin Muir, explora as questões mais amplas de fama e representação, indo além da imagem pública, muitas vezes cuidadosamente construída, para revelar muito mais sobre essas personalidades de alto nível e suas vidas notáveis.

Os destaques incluem:

  • Muhammad Ali –  As fotografias notáveis ​​que ficaram escondidas numa gaveta durante 25 anos; 

Este episódio não tem sinopse disponível no site da BBC Two.

  • James Dean – Uma extraordinária série de fotografias macabras, inéditas há mais de 30 anos;

Sinopse do Eposódio:
“In just three films and a career spanning 18 short months, James Dean captured the imagination of a new generation, hungry for a different kind of Hollywood hero – sensitive, spontaneous, unconventional and sexually ambiguous. His sudden, violent death in a car crash aged just 24 guaranteed him the immortality he craved and fixed his image as the beautiful rebellious youth in the public’s mind forever.

One photoshoot, just seven months before his death, managed to capture the essence of the troubled, enigmatic Dean like no other. In February 1955, photographer Dennis Stock was given unique access to the new star, travelling with him to his home town in Indiana, then on to New York and LA. Their intimate collaboration would result in some of the most revealing, enduring and disturbing images of Dean ever taken. This film tells the story of the extraordinary shoot that would become his epitaph.”

  • Greta Garbo – Ela realmente “queria ficar sozinha”? Imagens de uma estrela que se afastou da ribalta;

Sinopse do Episódio:
Greta Garbo was one of the most mysterious and secretive film stars of the 20th century – she cast a spell over Hollywood in the 1920s and 30s with her exotic looks and hypnotic presence. She was ferociously protective of her private life and detested being photographed off the movie set.

With her last screen appearance in 1941, she spent the next 50 years playing a game of cat and mouse with photographers. But the more she tried to hide from the camera, the more aggressively she was hunted down. One photographer stalked her around New York for the last ten years of her life – many of these photographs are revealed here for the first time.

Greta Garbo’s life became a nightmare – a disturbing parable of the 20th-century obsession with celebrity.

  • Audrey Hepburn – Como as privações da sua infância devastada pela guerra moldaram sua carreira como atriz e a preparou para um papel de grande alcance na UNICEF;:

Sinopse do Episódio:
“Throughout the 1950s and 60s, images of Audrey Hepburn dazzled the world.

More than just a Hollywood movie star, she was also a new kind of fashion icon. Her waif-like figure redefined Hollywood standards of beauty. But few people knew she owed her slender physique to the long-term effects of wartime starvation. Growing up under German occupation in Holland, Hepburn had a traumatic childhood scarred by fear, malnutrition and the emotional distress of her father walking out of the family home.

Throughout her career her enigmatic smile inspired some of the most famous photographers in the world. But this film reveals that painful memories of terror and loss were never far from the surface.”

  • Marilyn Monroe –  Como a primeira deusa americana usou a fotografia para criar um fenómeno, como uma única imagem ameaçava destruí-la e como, num dia, em Nova Iorque, ela se mostrou mais feliz;

Sinopse do Episódio:
“Marilyn Monroe is known primarily as a movie star, but she always preferred being photographed. Faced with the pressure and chaos of the film set, she was often anxious and full of self-doubt. One-on-one with a photographer, she felt at ease and in control.

Whenever the pressures of Hollywood threatened to overwhelm her, she always turned to photographers for the reassurance and intimacy she craved.

This programme explores the ways in which Marilyn Monroe used photography to gain a sense of control over her life, as well as to further her career.”

Não sei durante quanto tempo, mas podem assistir ao episódio que fala de marylin Monroe aqui:

  • Elvis Presley– Como um estudante superou o gerente controlador do King, conquistou a imprensa mundial e vendeu as fotografias exclusivas de Elvis na cantina da escola;

Este episódio não tem sinopse disponível no site da BBC Two.

  • Rainha Vitória – Como a fotografia desempenhou um papel vital na definição da sua soberania e na defesa contra uma crescente onda de republicanismo; como restabeleceu a sua supremacia depois de uma década de reclusão; e como ela preservou a memória do príncipe Albert nos anos após sua morte;

Este episódio não tem sinopse disponível no site da BBC Two, mas está disponível no Youtube, não sei é durante quanto tempo. Ainda assim, deixo-vos aqui o link. 

  • Mahatma Gandhi – Como ele manipulou sua aparência para unir a sua nação, como ele usou a fotografia para desafiar e minar o Império Britânico e criar uma nova identidade para a Índia;

Sinopse do Episódio:
Mahatma Gandhi, the man who brought the British Empire to its knees, was a master of media manipulation. For a non-violent campaigner who employed protest, prayer and fasting, the photograph was one of the mightiest weapons in the fight to liberate India.


In April 1930, the world held its breath as an old man, dressed only in a loin cloth, bent down at the shore of the Arabian Sea to pick up a handful of salt, thereby breaking the law. Photographers from around the world captured this small act of protest, and it was these photographs that shook the foundations of the empire.

We trace the unknown history of Gandhi’s life in front of the camera, from an 18-year-old dandy in London and his rapport with Life magazine photographer Margaret Bourke White, to Cartier-Bresson’s haunting images of the millions that mourned at the funeral of the Father of the Nation.

  • Adolf Hitler – Como o ditador nazis inicialmente desconfiava da fotografia, mas depois a passou a entender e utilizar o seu poder para projetar a imagem de um líder poderoso e promover os seus terríveis planos para dominar o Mundo;

Sinopse do episódio:
“Adolf Hitler, the first state leader to have a totally manufactured image, used photography to hypnotise and corrupt a nation. In the 1930s, the photographer Heinrich Hoffmann transformed the young camera-shy politician into a figure of absolute power, helping to mastermind one of the most successful campaigns of mass manipulation in history.

Previously unseen private images of Hitler have been unearthed, taken by the photographers closest to him, including his mistress Eva Braun and his favourite photographer Walter Frentz – the man who had the opportunity to assassinate Hitler in 1944 but chose not to.”

  • John F Kennedy – Como, num novo amanhecer para a América, a fotografia criou e sustentou os mitos de ‘Camelot’ e ocultou as fragilidades e infidelidades do presidente;

Sinopse do Episódio:
“John F Kennedy was one of the most popular presidents of the United States of America. At the core of his appeal was his image; Kennedy was highly photogenic. He also understood the power of the photograph and exploited it more effectively than any other politician before him.

Kennedy was a totally new kind of president – glamorous and informal, a patriot with a glittering war record and a loving father and husband. But while he seemed to be exposing his whole life to the camera, he was in fact concealing two secrets – secrets so explosive they had the power to destroy his presidency. This film explores the way that Kennedy used photography to help to promote an image that was at odds with his frail state of health and his compulsive promiscuity.”

A exposição tem a curadoria de Robin Muir, curador e escritor de fotografia, e ex-editor de imagem da revista Vogue britânica e da revista Sunday Telegraph.

Rui Campos

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